ENTROPIA COME VISIONE DEL MONDO

L’inconscio è strutturato come il linguaggio” è una delle formula più celebri dello psicoanalista Jacques Lacan:  certo che lo è!, perlomeno fin dalla prima canonica  formulazione di Freud, nel saggio che diede appunto avvio alla scienza della psicoanalisi “l’Interpretazione dei sogni” dove l’asse linguistico che verrà codificato nella famosa barra tra significato e significante  da De Saussure, si muove  tra le figure della  linguistica: metafora e metonimia. E cosa sono, appunto ne “l’interpretazione dei sogni, la condensazione e il trasferimento,  se non le due principali figure retoriche della linguistica? l’inconscio si muove continuamente  tra metafore e metonimie: il lapsus e l’atto mancato, la distrazione, la ripetizione, il “come se”…. appunto la condensazione dei significanti in un  significato e il continuo trascinamento di questi; dove però tali meccanismi, hanno, per così dire,  una  loro inverazione e frequenza assoluta, è in quello che Freud stesso definiva “la via Regia” dell’inconscio: il sogno.    Tempo fa, si discuteva su Facebook  con alcuni vecchi amici ritrovati,  della Palermo dell’infanzia: la Villa Deliella distrutta in una notte nel 1957, dagli speculatori  edilizi, la unica fila delle capanne di Laddaura a Mondello (in realtà erano le cabine di spiaggia, ma  Palermo si diceva “capanne”), le docce a grappolo  nel bel mezzo della  spiaggia che non era ancora stata saturata  dalle ulteriori “capanne” e poi si, quel certo caffè, il gelato da Ilardo proprio a testata della “passeggiata delle Cattive” che non erano donne crudeli o malvagie, bensì le vedove, che essendo ancora immerse nel loro lutto, non potevano passeggiare lì sullo splendido lungomare a ridosso delle Mura  e quindi era stato fatto per loro un apposito percorso parallelo ma nascosto: erano quindi “cattive” nel senso originario della parola latina “ captivus =prigioniero ….prigioniere del loro dolore . “ti ricordi questo, ti ricordi quello?” si sa come vanno questi discorsi, sia nella realtà, sia, forse ancor più,  nel virtuale, così nel gruppo di vecchioni informatizzati era spuntatala domanda “come si chiamava quel cinema che stava  proprio all’inizio di via Libertà, quasi ad angolo con la piazza  col teatro Politeama? “ Bho!? Sarà dai primissimi anni sessanta  che l’hanno chiuso!” “si lo ricordo benissimo!” avevo commentato  “mi ricordo di averci visto un film con Rossana Podestà che faceva Elena di Troia e Jacques Sernas, Paride,  e poi uno con Gino Cervi e Belinda Lee, mi pare si chiamasse “la lunga notte del ‘43”… però il nome non lo ricordo proprio !” e lo stesso era per l’intero Gruppo di estimatori della “Palermo di una volta”  Vai a letto arrovellandoti su quella dimenticanza, e la via Regia , il sogno, imbocca un percorso che spunta diritto alla statua di Pasquino, la famosissima statua parlante  della Roma papalina, dove venivano apposte,  proprio in virtù del fatto che  non erano riconoscibili né volto, né articolazioni,  le critiche e le invettive  contro il potere temporale dei Papi, ( il busto , probabilmente era un pezzo del complesso marmoreo del Lacoonte , ma doveva il nome ad un sarto del circondario che era famoso per le sue  frecciate contro papi e cardinali), ma l’antico Pasquino tornò a parlare anche molto dopo, nel 1938 quando in occasione della visita a Roma di Hitler, fu trovato sotto l’antico  busto  marmoreo un foglietto con  una  nuova folgorante “pasquinata”: "Povera Roma mia de travertino, te sei vestita tutta de cartone, pe' fatte rimirà da 'n'imbianchino" Ma il Sogno , il mio sogno si rifaceva  invece all’epoca clou delle Pasquinate, pieno potere temporale della Chiesa,  anche se a dire il vero  per arrivare lì a ridosso di piazza Navona dove appunto è collocata la statua di Pasquino, avevo preso il 44,  l’autobus che da via di Donna Olimpia a Monteverde  arriva a piazza Argentina, e difatti ci ritrovavo una delle più famose pasquinate, quella indirizzata alla celebre “pimpaccia” ovvero Donna Olimpia Maidalchini, nipote e amante del Papa,  senza dubbio la più potente donna di Roma dell’epoca, grande protettrice e procacciatrice di incarichi  per Bernini…. “Olim pia, nunc impia” ….“e mò!?” Avevo pensato al risveglio “perché il sogno, dall’autobus 44 mi sbatte in pieno barocco, con la pasquinata  sulla Pimpaccia di piazza Navona?...l’ultimo resto diurno della giornata precedente, la discussione su Facebook a proposito di quel cinema di cui nessuno era riuscito a trovare il nome e all’improvviso con il primo goccio di caffè “ma porca vacca ! È chiaro ! Il 44 da via Donna Olimpia e se non era ancora sufficiente, la pasquinata su donna….Olimpia! Il nome del cinema era OLIMPIA!  Grandioso l’Es, eh?  Lui sa veramente tutto di noi e forse qualcosa in più! Così il titolo del presente articolo  “es-entro-pia?”che gioca su due diverse interpretazioni  dove la prima sull’interrogativo: e se entro nel discorso in maniera spassionata, candida, pia?  Un discorso sulle generali, sulla situazione odierna del mondo, sul presente che sembraaver eliso il futuro?..... che cosa mi posso aspettare?  Eh bhe, la risposta è contenuta sempre nella stessa frase, dove l’es diviene una sorta di “deus ex machina”  si elide il trattino e risulta la parola intera “entropia” Cosa si intende per entropia e perché sarebbe una risposta all’apprensione sul genere umano e sulla situazione del mondo?  E’ una questione di riferimenti! Tutto è riferimento  nell’uomo, perlomeno da quando è pervenuto al linguaggio articolato e ha cominciato conseguentemente  a chiedersi del perché della propria esistenza ma anche al perché della propria insistenza a domandare sempre la stessa cosa “chi sono, dove sono, da dove vengo, dove vado?” Un riferimento è in sostanza una visione, una possibile visione del mondo che dovrebbe consentire di stabilire analogie comportamentali sulla base del proprio linguaggio e del mondo esterno e rendere quindi il tutto “abitabile” nel senso di contrarre abitudini atte appunto ad un essere “presenza” Il riferimento funziona quindi per analogia e struttura una certa visione del mondo che in verità si appunta su di un analogo particolare, un “analogo-Io” che mette appunto in situazione sé stesso rispetto ad un mondo, diciamo alquanto indifferente alla propria “presenza”  Nel corso della propria storia linguistica e  di fattualità, l’uomo ha sempre ricercato  tali quadri di riferimento, che possiamo anche definire “visioni del mondo” sono relative al periodo  e al tipo di società in cui sono state applicate, ma proprio in relazione a tale periodo e a tale Società, hanno un che di assoluto, nel senso che funzionano come un vero e proprio paradigma , cui tutti, bene e male finiscono per aderire.: queste, diciamo così, queste visioni del mondo, funzionanti come paradigma,  ce ne sono state molteplici e alcune particolarmente  tenaci  e dilatate, ad esempio la nostra, quella attuale delle nostre “contrade occidentali” ha un arco temporale di quasi trecento anni  e per quanto si sia modificata ed evoluta (o involuta) nel tempo  ha conservato la visione originaria che sostanzialmente è quella della Rivoluzione industriale e dell’avvento della macchina: il nostro è un mondo di macchine, di leve, ruote,  puleggie, che sono, via via andate assumendo  la  connotazione di processori informatici, computer, monitor : il mondo è come un gigantesco magazzino di componenti, fatto di miriadi di pezzi che aspettano solo di essere assemblati in un sistema funzionante. Questo è il paradigma  storico del nostro tempo  e del nostro mondo; la macchina è così integrata nella nostra persona  che è difficile  stabilire dove finisce lei e dove  comincia l’uomo, anche  il nostro linguaggio si è conformato alla macchina : noi “misuriamo” i rapporti, i nostri sentimenti sono “vibrazioni”, cerchiamo di evitare “attriti” e facciamo in modo di “sincronizzarci” cogli altri, piuttosto che stabilire pensieri o affezioni con loro, pensiamo alla nostra stessa vita  come qualcosa che “gira  regolarmente” e ci si aspetta  che essa possa essere “riparata”  se qualcosa  in essa si è “guastata”, come se gli esseri umani  fossero semplici pezzi di un  meccanismo che possano essere “aggiustati” o “sostituiti” Questa visione del mondo che ancora costituisce il paradigma  di questo inizio del terzo millennio, visione di un accentuato materialismo e che  giustifica tutto nel nome di una parola  “Progresso” , sta  cominciando però a perdere colpi (proprio come una macchina alquanto deteriorata) in quanto l’ambiente oramai iper sfruttato e le  risorse energetiche,  stanno avviandosi al loro esaurimento e  quindi lo stesso campo di applicazione va  venendo meno.  Il relativo della attuale Visione del mondo  cosiddetta “moderna”  comincia a farsi sentire non meno delle precedenti visioni del mondo,  che non avevano quella fede cieca nel progresso, tipo quella cristiana  che dominò l’Europa  per oltre un millennio, e  che concepiva la vita solo come attesa di un mondo a venire e l’individuo non doveva avere desideri o mete personali, né cercare miglioramento, né tantomeno cose materiali, ma solo escatologicamente perseguire  la cosidetta “salvezza”,  o tipo quella antica greco-romana che bandiva il futuro a scapito di un passato considerato sempre migliore, che costituiva un’escatologia all’incontrario dove tale passato era equiparato ad una mitica “età dell’oro” e tutte le epoche venute dopo ne  rappresentavano un inesorabile degrado. Ecco l’esempio che ne fa il poeta greco Esiodo “all’inizio un’aurea generazione di mortali fu creata dagli dei immortali dell’Olimpo, essi erano simili agli dei , non erano afflitti da dolori e malattie e l’abominevole vecchiaia  non li attendeva al varco, ma restavano sempre eguali  e quando morivano erano come immersi in un sonno” A pensarci bene che cosa era questa “età dell’oro” se non la giovinezza? Una metafora presa dal riferimento più immediato, il corpo appunto, ma preso nel suo momento di massimo fulgore, la giovinezza con le membra vigorose, l’aspetto leggiadro, la bellezza, la piena salute, l’entusiasmo: parola che letteralmente significa avere un dio dentro di sé, “en-theos” ….e qual’è per un mortale l’unico modo per essere così simile agli dei dell’Olimpo?  Paradossalmente morire giovane, si’ che l’abominevole vecchiaia  non venga a distruggere quella perfetta armonia corporea. La archetipa visione del mondo del nostro mondo occidentale  quella di Esiodo, di Omero e ancora di Orazio, di Virgilio, è una giovinezza resa paradossalmente immortale da una morte precoce, il netto contrario di quella moderna, fondata invece sulla macchina, sul suo deteriorarsi e conseguente aggiustarsi, al limite sostituirsi per pezzi, dove la metafora tra corpo e macchina  induce una morte sempre differita, un prolungare fino allo stremo quell’assemblaggio di pezzi del tutto indifferentemente dall’aspetto estetico, dal vigore, dall’efficienza. Abbiamo però visto come tale “visione” stia oramai mostrando la corda, e non perché il referente-corpo non si presti ulteriormente  ad un suo prolungamento quantitativo di numero di anni, quanto per l’esaurirsi  del campo di applicazione quell’”ex-sistere” che non riesce più a contenere “l’in-sistere”  Ed ecco che entra in gioco l’entropia, che gli antichi non conoscevano concettualmente, come non conoscevano il 2° principio della termodinamica, ma che entrambi li presupponevano quasi come  sorta di “contro-assicurazione” per scongiurare le più grandi malefatte dell’essere, ovvero, la malattia, la vecchiaia, un inutile e stracco accumulo di anni  progressivamente e proporzionalmente  in credito di bellezza e entusiasmo. La legge dell’entropia  è il fondamento del 2° principio della termodinamica , ovvero il principio  che stabilisce che  materia e energia  possono modificarsi in un sola direzione  da forme utilizzabili a forme non più utilizzabili , di cui appunto l’entropia è una misura del grado  in cui in  ogni sistema dell’universo l’energia disponibile si è trasformata in una forma  non più disponibile, e il secondo principio della termodinamica  è anche il principio di cui si è avvalso Freud  per  ribaltare la sua concezione della  vita come libido volta a sfuggire il dolore e perseguire il piacere, con il saggio dal nome che è tutto un programma “al di là del principio del piacere” e la scoperta di una pulsione di morte come ultima ratio della coazione a ripetere, ovvero ripetere, sempre ripetere, fino ad arrivare all’ultimo girone del desiderio  che coincide in sostanza nel voler far ritorno da dove si è venuti, il nulla, prima che cominciasse il processo entropico di consumare tutta l’energia disponibile che potremmo anche equiparare al processo storico, e quindi la morte e non solo quella termica supposta dalla termodinamica , ma quella dell’intero sistema vivente. L’entropia mina l’idea che la storia sia volta al progresso, e la tecnica, la tecnologia e le sue varie forme di evoluzione, fino a quelle di oggi, della digitalizzazione e dell’informatizzazione:  la antica “technè”  originata dal furto di Prometeo della scintilla divina del fuoco, il suo strumento più appariscente : la technè, questo gli antichi lo avevano espresso a chiare lettere, non è quel paradigma di assoluto valore, che l’umanità superando la triste visione escatologica cristiana, ha creduto di identificare nella macchina;  essa  ingenera si’ una diversa modalità temporale, non più ciclica, ma progettuale, ma parimenti  ne pone i suoi limiti e la sua bivalenza : le catene che avvingono alla roccia del Caucaso l’autore del furto agli dei, Prometeo, sono di ferro ovvero di una lega di metalli, tra i primi prodotti di quella stessa “technè”. Il pericolo che proprio l’entropia possa costituire l’ultima versione di queste  visioni del mondo  è quanto mai plausibile e trova proprio in quel saggio sopra accennato di Freud una sua  interazione : una visione del mondo non fondata su di una età dell’oro con  un passato da recuperare e  neppure una che invece del passato ponga un non verificabile futuro con un altrettanto inverificabile divinità, bensì, tout court,  una visione del mondo, fondata  sul nulla, a cui irreversibilmente l’umanità tende a far ritorno, quel “non-essere” che qualcuno ha chiamato “morte”

 

ES-SE-SOGNI...UN UOMO IN FRACK?

Già nel titolo, c’è sottesa una ambiguità semantica, nominalistica : ogni uomo in frack e’ un po’ troppo generalizzante e così, se eludi il trattino si conforma un “sogni” che ovviamente allude a quel frack, ma anche ad un fiume su cui quel frack scivola lentamente, passando sotto i ponti e andando a perdersi in mare. Quando nel ‘57 uscì la canzone “vecchio frack” di Modugno , forse solo i siciliani veraci, quelli che gustavano gli spongati di gelsi e cannella alla gelateria Ilardo, lì a ridosso delle “passeggiata della cattive” associarono immediatamente quel “S'avvicina lentamente con incedere elegante, ha l'aspetto trasognato, malinconico ed assente; non si sa da dove vien, ne’ dove va. chi mai sarà quell'uomo in frack ? “ al principe Raimondo Lanza di Trabia. I siciliani ed un ragazzino di non ancora dieci anni, che siciliano non era,  un  romano de Roma, con tanto di battezzo  "ar Cuppolone", ma che il  personaggio in questione lo aveva, bè se non proprio conosciuto, in quanto all’epoca gli adulti parlavano poco con i bambini, perlomeno visto parecchio a lungo, e proprio in quell’atmosfera di lungomare  tra quei gelati a triangolo,e vicino a quella “passeggiata” che lo zio Bino, personaggio di rilievo di quella Sicilia anni cinquanta,  si era degnato di spiegargli perché si chiamava così “no no non sono donne cattive nel senso di maligne” gli aveva detto ridendo “in latino il termine captivae, significa prigioniere, e difatti e in questo senso che si intende quel cattive, in quanto riferite a donne che avevano perso il marito, delle vedove , cui appunto era stata ricavata questa stradella riservata, proprio a ridosso della Mura e sul lungo mare, perché potessero passeggiare con l’aria di mare, ma da sole, prigioniere del loro dolore, che non consentiva loro di frequentare altra gente” Il ragazzetto,  che gia’ allora era irresistibilmente attratto da tutte le persone coi baffi, in quanto gli ricordavano qualcosa e soprattutto qualcuno, dandogli un senso di sicurezza, di protezione  e di una misteriosa malia, si era subito focalizzato su quei baffetti che un comico tanti anni dopo, avrebbe detto “da sparviero” ma che oltre lui sembravano come catalizzare l’attenzione e l’interesse di tutti: lo chiamavano Principe e si diceva che era merito suo se la  Targa Florio, la grande e antica corsa siciliana, voluta dai Florio, era tornata ai fasti di un tempo; si diceva che aveva sfidato in una gara nientemeno che il grande Tazio Nuvolari, il mantovano volante e l’aveva addirittura battuto, e poi si menzionavano  le sue conoscenze e anche grandi amicizie con famosi personaggi storici,  Galeazzo Ciano, Gianni Agnelli, Curzio Malaparte, attori di Hollywood tipo Errol Flynn di cui era intimo amico  e anche l’accenno a presunte relazioni con attrici, che nell’Italia di allora erano senza dubbio mitiche.

 Ancora si faceva cenno dei suoi scherzi tremendi che faceva in Palermo ed anche fuori Palermo a famosi politici come il Conte Sforza, che lo zio Bino politico e assessore alla Regione, conosceva e  riferiva con gusto, ed infine veniva citata  quella copertina della Domenica del Corriere in cui  era stato immortalato  a torso nudo, in un duello. Insomma quel “chi mai sarà?  della canzone di Modugno aveva sfondato una porta aperta per quel ragazzino romano che dopo quella “conoscenza” e ancor più  dopo il misterioso “suicidio” o accidente nel novembre del ‘54 a Roma , si era andato quasi morbosamente a documentare  sul tal personaggio  “ma certo che era lui! E chi sennò?  Quell’incedere elegante, l’aspetto trasognato, malinconico ed assente e poi  quella stupenda immagine dello “sbadiglio di una finestra (quando mai si era vista sbadigliare una finestra ?)  e quel galleggiare dolcemente sul fiume silenzioso di un cilindro un fiore, un frack…. dai che ce n’era di che aggiungere di fascino ad una persona del genere e il  tutto anche accompagnato da quella melodia decisamente accattivante, con quel finale da sturbo  “adieu, adieu, adieu al mondo, ai ricordi del passato, ad un sogno mai sognato, ad un attimo d’amore, che mai più ritornerà”. Vecchio Frack  era rimasto scolpito nell’immaginario di fascinazione di quel ragazzetto ancor più dei successivi Volare, ecco “penso che un sogno così non ritorni mai piu’” e i “mille violini suonati dal vento” di Piove o “ciao ciao bambina” e quale la sorpresa quando molti anni dopo il ragazzetto oramai bello che cresciuto aveva fatto conoscenza, con assidua frequentazione e anche accompagnata da una certa confidenza,  con il fratello di quel personaggio, cioè il fratello del “vecchio frack!” Galvano Lanza di Trabia. Niente baffetti "da sparviero" ma alto, distinto, la personificazione stessa della signorilità, era sopratutto amico del  padre, al quale, sapendolo di sinistra per farlo arrabbiare,  gli  faceva " Lucio se ti comporti bene ti faccio Cavaliere" e frequentava lo studio di Michele Pottino in via dei Pianellari dove  suo padre e  Pottino avevano costituito uno studio di consulenza in titoli di Borsa. "minchia" che studio! ci venivano gente davvero importante: Vito Guarrasi, Michele Sindona, Mimì La Cavera con  la famosa attrice Eleonora Rossi Drago, ed era anche un via vai di pittori, artisti, dato che il marchese Pottino aveva la vocazione del Mecenate e gli piaceva circondarsi di una sorta di corte di tali personaggi; tra l'altro ,  un giorno si e un giorno no, telefonava a suo cugino, che indovinate un pò chi era? Enrico Cuccia di Mediobanca, il padrone dei padroni.  Ora frequentando anche lui  tale studio come una sorta di consulente ideativo (aveva entusiasmato Pottino stilando una cartina del centro di Roma con tanto di Tridente, ansa del Tevere e assi sistini dove aveva disegnato una caricatura di Pottino coi suoi baffoni all'Umberto che fungeva da stelle di merito per i ristoranti che lui frequentava e di cui era, manco a dirlo Mecenate: una faccina baffuta: mediocre, due: discreta, fino alle cinque bordate rosso (a mo' di Generale di corpo d'armata designato d'armata, o meglio alla Douglas Mc Arthur). Pottino era miliardario, ma Galvano no, anzi andava sempre questuando soldi, ma era...il Principe di Trabia, e aveva nei cromosomi la signorilità... "Michele!" gli faceva seduto sul tavolo della scrivania incurante di scompigliargli carte e gingilli "tuo nonno era campiere di mio nonno" e di certo sorrideva di quel suo titolo di marchese che a buon bisogno gli aveva conferito proprio il suo di nonno. Una volta erano tutti  sulla Jaguar di Pottino alla ricerca di un posto dalle parti di piazza in Lucina, quel giovanotto col padre, dietro, Michele alla guida e Galvano a lato:  "non si trova un posteggio manco a pagarlo d'oro" aveva esclamato spazientito Pottino "vai, entra in quel portone!" gli aveva fatto con una nonchalance da guinnes dei primati, roteando con un gesto sinuoso la sigaretta e spandendo volute di fumo nell'abitacolo "ma che scherzi quella è la sede de .... ci cacceranno via " "Vai , entra, ho detto!" aveva insistito con ancora più signorile sicumera. Come aveva temuto Pottino, il portiere in divisa si era subito precipitato con aria truce per cacciarli, ma poi scorrendo la vista sulla persona che era accanto al guidatore..."Principe!!!" aveva fatto con tanto di riverenza. Galvano gli dava sempre una strappo a casa sulla sua vecchia 850 dove c'erano una quantità enorme di cassette di Peppino di Capri "sai " diceva "fanno molto colpo sulle ragazzette quelle della tua età" e in quell'espressione ammiccante il pensiero andava ovviamente al fratello, di cui lui si era lasciato andare anche a confessioni sul vero motivo della sua strana dipartita, che era un po’ alla ultima defenestrazione di Praga, quella del 1948, del  figlio del grande Thomas Masarych, Jan. Ma il mistero era bene che rimanesse, eh si proprio a quel “sogno mai sognato e all’immagine di quel frack che scivola lentamente nel fiume sotto i ponti lasciandosi cullare e perdendosi verso il mare.

 

NOI FUMMO I GATTOPARDI

 

Torniamo al cinema! ci sono dei film che sono rimasti come pietre miliari della storia e non solo del cinema: ne ho  citati qualcuno: quasi la totalità dei film di Ernst Lubitsch, quello del famoso “tocco”, quindi Napoleon di Abel Gance e ce ne sarebbero molti molti altri, l’Orson Welles di Quarto potere e L’infernale Quinlan, Renoir, Renè Clair, i fratelli Taviani, Fellini, Bogdanovitch, Kubrick e poi i super classici, Dave Work Griffith, Esestein, Pudovkin, Bergman, però ecco! Il Gattopardo di Luchino Visconti ha una valenza particolare. Ripreso dal romanzo di Tomasi di Lampedusa, che ebbe uno strepitoso successo nel 1958.... diciamoci la verità: neppure lo vede al romanzo! è forse uno dei pochissimi casi in cui un film supera e di gran lunga l’opera da cui si è ispirato. Visconti certamente è un sommo, già assistente e allievo di Renoir, esordi’ nel 1942 con Ossessione, anche quello ripreso da un romanzo “Il postino sempre due volte” di James M Cain , soggetto non pienamente accreditato, Visconti lo utilizzava con risvolti del tutto differenti, riferiti alla realtà italiana di quegli anni, di cui giustappunto il film doveva segnare il prodromo del Neorealismo.  Fu lui a filmare l’esecuzione del famoso criminale fascista Pietro Koch ed ebbe anche parte nella vicenda dell’uccisione  di Osvaldo Valenti e Luisa Ferida, due attori che conosceva  personalmente, ma  nel dopoguerra doveva segnare vere e proprie pieces di opere di enorme  valore tipo “La Terra Trema”, da un adattamento dei Malavoglia di Verga,  “Bellissima” con una straordinaria Anna Magnani e certamente il migliore film mai realizzato sul Risorgimento  “Senso” con Alida Valli; con l’inizio degli anni sessanta aveva girato “Rocco e i suoi fratelli”  ma ecco che nel 1962 si misurava con il romanzo di Tomasi di Lampedusa che doveva segnare uno dei momenti più alti della cinematografia italiana.Visconti era di famiglia nobile, discendente dei  Visconti di Milano e giunto a Palermo aveva immediatamente contattato le più illustri famiglie della nobiltà Siciliana, coinvolgendole nella stesura del film e facendole entusiasmare, dato che in più occasioni  aveva loro chiesto di  fornire abiti originali, servizi, bicchieri, argenteria dei loro antenati, sì che il film è di una precisione e veridicità massima; non c’è una sbafatura tutto è rigorosamente autentico, dal mobilio, alle posate, ai calici del vino e dello champagne che doveva essere rigorosamente originale, si da produrre le relative bollicine mentre si versava... tutto! gli abiti e le uniformi degli ufficiali, prima quelle dei Garibaldini del bel Tancredi/Alain Delon, che porta la giubba rossa coi gradi di Capitano, un giovanissimo Mario Girotti ovvero il futuro  Terence Hill e anche Giuliano Gemma che ha i gradi di generale, poi in occasione del grande e famosissimo ballo, che fu girato al superbo Palazzo Gangi in Palermo, i militari con le divise sabaude alla francese del nuovo Regno d’Italia, capitanati dal Col.Pallavicini (Ivo Garrani)  ovvero l’ufficiale che fece sparare a Garibaldi sull’Aspromonte, ove correttamente ritroviamo sia Alain Delon che Terence Hill retrocessi a Tenente, lasciando quindi intesa la famosa polemica in merito all’Esercito Garibaldino, denominato Esercito Meridionale, che fu proditoriamente sciolto e solo pochissimi vennero trasferiti nell’Esercito Regolare  ma con un grado inferiore (il mio amico Roberto Totis a Udine mi ha fatto visionare documenti originali di un suo antenato). Difficile prendere in castagna Visconti, certo non è Bertolucci o Olmi e tanti altri, che di errori storici e di ambientazione ne hanno fatti a iosa, persino Rosi in Uomini Contro che mette al famoso Generale Leone le mostrine sul colletto, cosa assurda perché nell’Esercito della Grande Guerra,la Divisione era quaternaria, ovvera composta di 4 reggimenti suddivisi in due Brigate, o tutt’al più di Gruppi e Raggruppamenti di vari corpi, quindi il suo comandante non poteva assumerne i tratti distintivi (appunto le mostrine) di un solo reggimento o reparto; eppure, proprio chi scrive, una piccola defaillance l’ha trovata nel (quasi) perfetto film di Visconti: Paolo Stoppa che interpreta meravigliosamente il cinico e opportunista Sedara si presenta al famoso ballo con appuntata sul petto la Croce di Cavaliere, croce che immediatamente Alain Delon/Tancredi,  gli butta via affermando categoricamente “questa in un ballo del genere, non basta!”. Ebbene la croce  che Sedara portava sul bavero della giacca è quella dell'Ordine della Corona d’Italia,  nastrino rosso e bianco, istituita per le nozze di Umberto e Margherita nel 1868, ovvero 6 anni dopo i fatti di quel famoso ballo! l’unica Croce di Cavaliere al merito civile in quel 1862 era l’Ordine dei SS.Maurizio e Lazzaro, con nastro verde. C’è poi un’altra cosa che il film neppure sfiora, ma qui siamo non in una sbafatura, ma in una sorta di mancanza di considerazione, forse di dimenticanza, ovvero la grandissima rilevanza che proprio in quello stesso periodo, dopo i fatti di Aspromonte, stava cominciando a caratterizzare Palermo e la Sicilia: quella della vicenda di Giovanni Corrao, un palermitano che assieme a Rosolino Pilo, che gli era morto  tra le braccia colpito da piombo borbonico, era stato il principale organizzatore delle “Bande di picciotti” che poi erano state le veri protagoniste della vittoria. Promosso generale Corrao si era dapprima rifiutato di accettare la perdita del grado e la nomina a Colonnello dell’Esercito regolare subito dopo Teano, per riprendere le armi appunto sull’Aspromonte  di nuovo con Garibaldi, rimanendo però disgustato dal comportamento  verso i Garibaldini e tornato a Palermo aveva cominciato a invocare la revoca dell’annessione  del Sud al Regno  e riprendere la guerra fino alla liberazione di Roma . Corrao  rappresentava più di ogni altro  l’incarnazione dello spirito laico e rivoluzionario del garibaldinismo e la sua figura aveva ben presto infiammato gli animi siciliani costituendo un pericolo davvero fortissimo: era amatissimo dalle plebi e contava anche su amicizie di diversa entità che erano rimaste deluse dai due anni di appartenenza al Regno d’Italia. Per questo mi pare un po’ strano che Visconti nel suo film non vi abbia fatto il minimo cenno e neppure al suo assassinio nell’agosto dl 1863 in circostanze misteriosissime e che non sono mai state chiarite, ma che certamente hanno a che fare con il tipo di mafia che dismette la sua valenza puramente criminale, per cominciare quella sua relazione con il potere costituto che costituirà l’essenza stessa del fenomeno mafioso. Non è difatti un caso se Giovanni Corrao è considerato il primo ucciso di mafia della storia della Sicilia. Forse stiamo andando un po’ oltre il senso sia del romanzo che del film: pretendiamo troppo! Dobbiamo contentarci del Gran Ballo, coi suoi rutilanti costumi, con la sua perfetta ambientazione, con la musica e la leggiadria di Angelica, o magari della famosa frase del bel Tancredi/Alain Delon “si cambia tutto per non cambiare niente!”  o delle sue boutades per terrorizzare  l’emissario del Governo piemontese, il mite e pacioso signor Chevalley che era venuto ad offrire un posto di Senatore al Principe di Salina, inventandosi provocatoriamente  storie di raccapricciante violenza e barbara crudeltà del popolo sicilano. Dobbiamo anche contentarci del discorso del principe di Salina, che poi è il senso stesso che dà titolo al romanzo e al film, laddove enfatizzata dall’interpretazione sublime di Burt Lancaster, assume una valenza straordinaria: è difatti proprio lui il Principe di Salina/Burt Lancaster, che spiega al povero Chevalley il suo spirito  della sicilianità, ovvero che tutti i cambiamenti  avvenuti nell’isola, più volte nel corso della storia hanno adattato il popolo siciliano ad altri “invasori”, ma non hanno mai  modificato  l’essenza e il carattere dei siciliani stessi. “Perché noi “siamo "Dei" dice “e non cambieremo mai”  non solo siamo in presenza  di un ennesimo mutamento senza contenuti, poiché i siciliani  hanno la più totale incapacita ‘ di modificare se’ stessi, un orgoglio che ha appunto qualcosa di “simile agli Dei” ma proprio è in questa chiave che debbono leggersi  tutte le spinte contrarie all’innovazione, ai cambiamenti, ma anche a tutti i compromessi, ben evidenziati dal “cavaliere” Sedara, e dei  quali il Principe Fabrizio trova quella metafora dello sciacallo  “il peccato che noi Siciliani non perdoniamo mai è semplicemente quello di “fare”  dice infine, ed a fare oggi sono solo gli sciacalli, ovvero quelli che si buttano sul corpo di un’Italia ancora da spolpare, quelli  appunto del “si cambia tutto per non cambiare niente” e che fa concludere amaramente la sua invettiva …noi non facciamo più, abbiamo corso troppo, tanto tempo fa, oramai siamo stanchi, perchè “noi  fummo i Gattopardi” da cui, come detto, il titolo del romanzo e poi del film.

 

LA MALATTIA DI DRACULA

 

Il cinema è stato enormemente influenzato dalla letteratura, e i romanzi di genere orrorifico non fanno certo eccezione: dal Dr.Jeckill e mister Hide di Stevenson (capirai Fredrich March, Spencer Tracy e anche una originale interpretazione del nostro Albertazzi) all’uomo lupo (Lon Chaney), Frankestein (Boris Karolf); Ma da quasi subito, il più rappresentativo, il più famoso, il più inossidabile, è lui….Dracula il vampiro. Come mai questo personaggio incontra un successo così straordinario e dopo averlo un pò diviso con Frankestein (diciamo Bela Lugosi-Boris Karlof), con il film del ’58 di Fisher e quindi Cristhofer Lee, diventa incontrastato? L’atto letterario di origine dei due mostri è comune, addirittura circostanziato: quella riunione nella Villa Diodati vicino Ginevra nel maggio 1816, di quel po po di letterati, Byron in testa, Shelley e la sua fidanzata Mary, Polidori, in cui decidono di fare quella curiosa gara sul chi scriverà il più originale racconto dell’orrore. Il periodo è particolare, diremmo oggi di riflusso: finite le grandi battaglie, le uniformi rutilanti, gli altisonanti bollettini delle battaglie, Marengo, Austerliz, Jena, Wagram, ora la chiusa è su Waterloo, dove l’epopea napoleonica viene cancellata, e tutti quegli “spriti guerrieri che in qualcuno ancora ruggono, si contentano di una villa suburbana, di disarmante tranquillità che può essere vivacizzata solo da qualche storiella un po’ fuori le righe. In prima battuta la vincitrice della gara è lei Mary Godwin Wollstonecraft, fidanzata di Percy Bysshe Shelley, con Frankstein, mentre il Vampiro di John William Polidori è per il momento in sott’ordine. Mentre difatti il mostro ricomposto da pezzi di cadaveri si inscrive subito nell’immaginario collettivo mondiale, il Vampiro che tra l’altro era l’evoluzione del racconto abbozzato da Byron, sul quale probabilmente Polidori rappresentava lo stesso Lord Byron, nei suoi aspetti più inquietanti (infatti il nome del protagonista, “Lord Ruthven”, riprendeva il nome del protagonista del racconto “Glenarvon” di Lady Caroline Lamb, una giovane scrittrice che aveva avuto una tormentosa storia d’amore, appunto con Byron che lo aveva inteso rappresentare, nella figura del crudele Ruthven Glenarvon); tra l’altro quell’originario vampiro di Polidori più che il sangue succhiava lo spirito delle persone e su tale peculiarità solo Dreyer insisterà col suo Vampyr del 1931 un , un anno prima dello straordinario successo del Dracula con Lugosi. In verità prima della consacrazione del Vampiro come lo conosciamo e addirittura con l’associazione con quel nome Dracula effettuata da Bram Stoker nel 1897, dobbiamo soffermarci sullo scrittore irlandese Joseph Sheridan Le Fanu che aveva creato un vampiro al femminile Carmilla, che aveva ripreso si, Polidori, ma anche la Christabel di Samuel Taylor Coleridge e così aveva inaugurato la peculiarità del succhiare il sangue che doveva appunto anticipare il molto più famoso epigono maschile. Bram Stoker, il quale trasse l’ispirazione del suo “Dracula” dall’incontro con un professore ungherese, esperto di storie orrorifiche che circolavano tra “i cupi Carpazi” dove aleggiava una sorta di diceria/ leggenda in merito alla spaventosa crudeltà del principe rumeno Vlad Ţapeş Dracul, un personaggio realmente esistito e citato persino da Papa Pio II Piccolomini come difensore della Cristianità, fondatore di Bucarest, con una serie di castelli disseminati nella Transilvania e in gioco per il predominio nella Regione contro il proprio fratello Radu, e che era stato legato a personaggi del calibro di Matteo Corvino: il termine Dracula derivava dall’ordine del Drago (Dracul) che aveva ereditato dal nonno Mircea il vecchio e in quanto alla diceria di crudeltà derivava da una pratica che aveva acquisito dai turchi, ovvero l’impalamento, un tremendo supplizio che consisteva nell’infilare un aguzzo legno nell’ano del malcapitato e farglielo uscire dalla nuca e che lui aveva portato alla perfezione spalmando il palo di grasso e facendo in modo di non toccare organi vitali, sicché l’agonia potesse durare a lungo. Non è un caso che il suo soprannome non era Dracula, ma “Vlad l’Impalatore” ma Stoker che impiegò sette anni per scrivere il libro studiando la cultura e le tradizioni della Transilvania, dei Carpazi e di tutta l’area Balcanica, finì per optare per quel nome Dracula che doveva imprimersi nell’immaginario collettivo di tutta Europa e successivamente anche d’oltre oceano. Oltre a quella particolarità del succhiare il sangue, però, assieme al nome Dracula, cominciava a diffondersi tutto quell’armamentario di paletti nel cuore, aglio, crocifisso, paura della luce, dormire nella bara, mancata riflessione nello specchio che solo in parte facevano parte del nucleo della leggenda, e che non è così scontato come possano essersi andati a sovrapporre alla storia. Io personalmente sono stato in Transilvania nei primi anni settanta e devo dire che rimasi abbastanza colpito dall’usanza che c’era di lasciare grandi quantità di carne essiccata che mandava un cattivo odore e mazzi di aglio, forse per lenirlo; ma dai…e con la luce del sole come la metti, e con lo specchio? con il dormire nella bara? Tutta roba che non si spiega così a primo acchitto! Se ci mettiamo a fare un po’ come il Freud del caso dell’uomo dei lupi, pian pianino qualche spiegazione la si trova, ecco magari non sarà tutta farina del sacco di Stoker, ma su tutto quello che si è andati a costruire sul personaggio di Dracula certamente si! Io considero la malattia il vero unico assoluto orrore dell’esistenza!? Ebbene io azzardo nel dire che lo straordinario riscontro del personaggio Dracula, così come si è andato costituendo nella nostra cultura, è dovuto al fatto che è andato a ingagliarsi in una metafora della malattia. Dracula non è il mostro dai denti aguzzi, col mantello nero, che dorme in una bara e succhia il sangue dal collo delle belle fanciulle, in verità è un uomo malato, malatissimo, addirittura terminale, quindi è ancora vivo, ma propriamente è come se fosse morto, ecco è un “non-morto”, e in genere cosa fa una persona del genere nel consesso dei viventi? vive per protesi e di raccatto, non succhia propriamente il sangue, ma è come se lo facesse, succhia la linfa vitale delle persone che gli sono d’attorno: le estenua le s-finisce, è quanto di più “per-verso”,anzi io preciserei “in-verso” che possa concepirsi. Ho letto tempo fa un articolo su di una rivista medica: parlava della porfiria, una malattia assai grave che colpisce le porfirine del sangue, ebbene quali sono le caratteristiche di tale patologia? chi ne è affetto, diventa pallidissimo, emaciato e ha bisogno di continue trasfusioni di sangue (oggi magari non ci sono questi grandi problemi, ma nel quattrocento?) ammettiamo che in quel quattrocento ci fosse un qualcuno affetto da tale malattia e che per avventura questo qualcuno fosse un personaggio potente, in grado di disporre di grandi possibilità, tra cui quella di ritrovarsi una serie sterminata di gente che agonizzava su di un palo tutta ricoperta di sangue, cosa credi che facesse nella notte buia (già perché c’è questa altra peculiarità dei malati di porfiria, che non sopportano la luce del sole, anzi gli è estremamente tossica, tant’è che tende a bruciare le gengive e i denti scendono giù producendo quell’effetto di dentatura sporgente con risalto dell’aguzzo dei canini.) e Vlad Tapes a detta dei contemporanei, girava sempre di notte e più di una volta fu visto avvicinarsi ad un agonizzante sul palo e….cercare di surgere quel sangue di cui aveva grande bisogno. Un malato di porfiria del ‘400? Probabilmente non era l’unico, ma l’unico tanto potente e conosciuto da inscriversi nell’immaginario collettivo di un’intera popolazione e arrivare quasi intatto dopo oltre quattro secoli, alla fantasia e sensibilità di uno scrittore in cerca di storie “sensazionali” E non è mica finita: le leggende, la storia, il sentito dire addirittura degli usi e costumi di una intera regione, vanno a braccetto con documentazioni scientifiche assai recenti, ma che più o meno consciamente, erano state registrate nella costruzione di un mito: una delle peculiarità più tipica del vampiro, la sua avversione per l’aglio è anch’essa parte integrante della sintomatologia della malattia della porfiria: l’anillina contenuta nell’aglio, è fortemente tossica per tali malati, e in Transilvania, come ho fatto cenno i caschi di aglio sono messi in bella vista quasi ad ogni porta : antichi ricordi divenuti abitudine e costume con reminiscenze di un passato orrore, o solo un espediente per coprire il forte odore di carne essiccata? . Si è fatto cenno al Freud dell’uomo dei lupi, per il tipo di indagine dettagliatissima e circostanziata su di un sogno che porta a delle conseguenze di interpretazioni assolutamente sconvolgenti, ecco!!! la psicoanalisi è l’ulteriore e, diciamo così, ultimo tassello per una indagine sul mito del Vampiro, che prende in esame la componente forse più inquietante : quella che il vampiro non si riflette nello specchio! Da Freud passiamo a Lacan, che sullo specchio ha fatto la base della sua teoria, in quanto è dallo specchio che parte la percezione di sè stessi, il famoso Io, che è solo tale grazie alla riflessione che si riconosce, sostituendo alla percezione per parti staccate, quella totalizzante giustappunto data dalla riflessione di sè nello specchio…ora che vuoi che percezione possa avere una persona malata, all'ultimo stadio, un“non-morto”?...nessuna!…..è...mancante! ”. Così mettici anche un po' di psicoanalisi nel mito di Dracula, anche se certo non puoi attribuirla a Stoker, e sul resto degli armamentari, la bara, la croce, il paletto nel cuore aggiungici qualche osservazione di Erich Fromm sui suoi studi sulla necrofilia e sui meccanismi che la legano a doppio filo alla malattia e alla menomazione, e vedi un pò se il quadretto non è bello che composto: DRACULA = MALATTIA. I vampiri sono mostri che non si riflettono nello specchio, ecco perchè forse sono sempre i più attinenti agli stati della nostra inquietudine, eludono il famoso scopettino di Lacan (la fase dello specchio), nessuna riflessione, nessuna distinzione tra il tutto e la parte, nessuna anticipazione, ma una sorta di fermo in quell'attimo eternizzato tra il Narciso e la morte. Si dipartono  da qui, un’altra serie di considerazioni che si collocano al limite tra lo specchio e la riflessione:  come insinuata tra il retro e l'avanti dello specchio, non poteva che starci lei, il femminile, nel suo sempre inquietante porsi della fascinazione estrema, ovvero il “de-sidera” che si carica di ulteriori  valenze, anche molto più vicine a noi di romanzi dell’ottocento e di trasposizioni cinematografiche anteguerra. Alludo al film di Roman Polansky “Le bal de Vampyres” da noi lo straordinario “Per favore non mordermi sul collo” dove la figura femminile della protagonista si carica di drammatici riscontri con la realtà: Eh già! La splendida Sharon Tate, che dal non riflettersi nello specchio nella sequenza finale del film in questione, assume in quell’evento di cronaca del massacro della sua villa di Bevery Hills giusto quarantanni fa, la valenza non solo di finzione cinematografica, ma di quanto mai reale rappresentazione della Morte. 

                  

 

GIOVINEZZA E LE CANZONI DEL VENTENNIO

 

Le canzoni hanno una parte, anzi una grossa parte nella formazione dell’immaginario collettivo: non si sta qui parlando di musica, melodia, armonia, musica classica, come viene pomposamente definita, per intenderci Mozart, Beethoven, Bach, Chopin, o quant’altro, ma canzoni, canzonette.... il “sono solo canzonette” di Bennato, che però informa espressioni musicali di tutto rispetto, e con le quali tutti noi, nella nostra vita abbiamo avuto modo di raccordarci, con fenomeni tipo il folk, il rock, il blues e autori e interpreti di straordinario valore del calibro dei Beatlles, di un Frank Zappa, Leonard Cohen, Bob Dylan, Janis Joplin, i Jefferson Airplaine, i Quicksilver, i Greatful Dead, Ives Montand, Edith Piaf, Charle Trenet, da noi in Italia il Modugno del “vecchio frack” o di “volare” e “ciao bambina”, ma anche i famosi cantautori a cominciare da Gino Paoli con il sequel dei vari Sergio Endrigo, Bruno Lauzi, Lucio Battisti, fino a Lucio Dalla, Fabrizio De Andrè ed

epigoni, Edoardo Bennato, Francesco De Gregori, Claudio Baglioni, Stefano Rosso. Debbo scusarmi se molti non sono elencati, comunque anche la valutazione dipende dai gusti personali, per cui non v’è da stupirsi se nell’elenco, parecchi artisti anche di notevole portata sono rimasti esclusi: Mina ad esempio sarà senza dubbio bravissima, ma personalmente non mi ha mai suscitato alcuna emozione, così la voce roca e gridata di un Vasco Rossi e tutte le sue canzoni, non sono mai riuscito a ascoltarle; diverso molto diverso un Adriano Celentano e cantanti un po’, diciamo così di confine tra canzone d’autore e commerciale, un Peppino Di Capri, Gianni Morandi, Bobby Solo, Antonello Venditti, Zucchero;   certamente ci sono anche una miriade di canzonette senza pretese, ecco può andar bene il termine di “commerciale” e c’è  anche peggio di quelle cui faceva ironicamente cenno Bennato, probabilmente la maggior parte : strappalacrime, melense e stupidotte “mamma ti voglio bene” “piange il telefono” “quando dico che ti amo” “Io, tu e le rose”, e qui davvero l’elenco non finirebbe mai.  Tutto si delinea un po’ come il principio di indeterminazione di Heisenberg e  come la Legge di Einstein: dipendono dalla posizione di...no.... non l’osservatore, ma dell’ascoltatore, che è pur sempre una persona e quindi la sua posizione e disposizione, non sono mai definite con precisione. A proposito di tale riflessione ci sono delle canzoni da noi in Italia che occupano una posizione ambigua e alquanto controversa: sto parlando delle canzoni del periodo fascista, un riflesso alquanto impallidito oggi, ma la cui portata è stata senza dubbio fortissima e quindi va analizzata storicamente : “marceremo dove il Duce vuole dove Roma già passò”  tremendo no? Retorico fino al parossismo, e anche di un’ironica ridicolaggine considerando i fatti successivi, ma questo era l’inno dei GUF, gli

universitari fascisti, ovvero baldi giovanotti acculturati che si definivano “fiaccole di vita e eterna gioventù” volti ovviamente a “conquistare l’avvenire”, mentre i ragazzini, inquadrati nei Balilla cantavano “fischia il sasso, il nome squilla del ragazzo di Portoria”  che chi poteva essere se non lui l’intrepido Balilla, che gettava quel sasso contro gli stranieri e dava il nome a tutta l’istituzione? Non sia mai che potevano restare esclusi in  giovani in genere, (capirai un Regime che aveva eletto a Inno Nazionale un canzone presa dagli arditi della Grande Guerra che si chiamava “Giovinezza!!!!), non ragazzini e neppure universitari, che all’epoca avevano la definizione di avanguardisti e per loro la marcetta faceva cenno ad una maschia gioventu’, ovviamanente con “romana volontà”, che aspettava la chiamata di una non meglio precisata madre degli eroi, “verrà quel dì verrà…” dicevano sconsideratamnte, il che considerando

chessò la Grecia, l’Africa, la Russia e l’otto settembre, suona ancora più ironico delle strofette dei ragazzi più grandi. Il cenno a “Giovinezza” induce ad una riflessione sull’origine, diremmo oggi il “background” di queste canzoni: origine che doveva molto ai canti della prima guerra mondiale,  i celeberrimi “bomba c’è”  col loro ritornello cadenzato che i fascisti ripresero fin dalle prime manifestazioni “se non ci conoscete  guardateci all’occhiello noi siamo i fascisti dal santo manganello...fascisti e comunisti giocavano a scopone, la vinsero i fascisti con l’asso di bastoni” e tanti, tantissimi altri  che si produssero fino alla RSI, solo che invece del ritornello “bom bom bom son tre colpi di  cannon”, ci avevano messo  il “bombe a man e carezze col pugnal” anche questo ripreso sempre  dalla Grande Guerra, ma da una particolare formazione di combattenti, i cosidetti “Arditi” ovvero i reparti d’assalto, o “fiamme nere” da cui i fascisti avevano ripreso la quasi totalità del loro armamentario, le canzoni, gli slogan, financo il colore delle camicie e di buona parte del loro abbigliamento (il fez, le fasce mollettiere, i gagliardetti) 

A rigore Giovinezza, che di certo doveva divenire la canzone più famosa del fascismo addirittura da accompagnarsi alla Marcia Reale nell’inno Nazionale era  si una canzone che si cantava nei reparti d’assalto fin dalla loro costituzione nello località di Sticca di Mandriano nel 1917, ma era stata ripresa da un canzone che si cantava nel 5° alpini soprattutto nel battaglione Vestone, dove c’era un capitano Corrado Venini, che si dilettava di composizione musicale, il quale sentendo suonare alcune note da un  ufficiale di complemento  richiamato per la guerra, le aveva immesse nel suo “’inno degli alpini sciatori “ Quell’ufficiale richiamato  si chiamava Giuseppe Blanc  e 5 anni prima quando era un laureando di giurisprudenza  aveva composta la musica con parole di Nino Oxilia  di una canzoncina goliardica  di addio agli studi che era stata inserita nell’operetta  “Addio giovinezza”con il titolo appunto di “Giovinezza” che difatti aveva un altro testo e senso, niente trincee e suoni di battaglia, niente fiamme nere che terribili si scagliano, ma solo un po’ di rimpianto “son finiti i tempi lieti” facevano le parole di Oxilia con il refrain però che tutti conosciamo  …”degli studi e degli amor, o compagni in alto i cuori il passato salutiam…”  certo gli alpini prima e gli arditi poi, avevano cambiato le parole, via i tempi lieti, gli studi e gli amori, spuntano le trincee e col fascismo via ovviamente quel “compagni”  da sostituirsi semmai con “camerati” Gli arditi insomma l’avevano ripresa dagli alpini che a loro volta casualmente l’avevano ripresa (forse se il sottotenente Blanc non fosse stato richiamato nel 5° alpini..... Chissà???) da tale canto goliardico, però la musica e il ritornello erano rimasti identici  “giovinezza, giovinezza, primavera di bellezza , della vita nell’asprezza il tuo canto squilla e va “ con però quella discutibile ciliegina sulla torta che il fascismo ci aveva aggiunto a conclusione …”e per Benito Mussolini eja eja alala’. Direbbe Carlo Levi “il futuro ha un cuore antico”...per ogni cosa! Anche quel famoso nero delle camicie fasciste e buffetteria varia, non è così genuino come potrebbe sembrare, l’ascendenza agli arditi si va bene, ma in una accezione che ricorda molto quella delle camicie rosse dei macellai argentini per i Garibaldini. Il cuore antico si materializza nel famoso telegramma di Vittorio Emanuele Orlando a Badoglio nell’ottobre del 1918 a proposito dell’attaccare con l’offensiva che successivamente verrà detta di Vittorio Veneto “Tra la sconfitta e l’inazione, preferisco la sconfitta : MUOVETEVI” e si fa prassi operativa  con l’8^ armata del Gen. Caviglia  che con una abile diversione aveva spaccato in due lo schieramento nemico e praticamente messo fine alla guerra. Fine della guerra assolutamente non contemplata dai due brillanti e ardimentosi Capo e sottocapo di Stato Maggiore Diaz e Badoglio, che difatti contando di effettuare quell’offensiva solo nella primavera successiva, avevano ordinato una enorme quantità di cotonina nera, necessaria ad equipaggiare i sempre più numerosi reparti d’assalto. Ordine prontamente effettuato da un industriale, che mi pare fosse Vercellino, ma non ne sono sicuro, che però causa la fine della guerra si trovò con l’ordine bloccato e quindi i magazzini pieni di cotonina nera (capirai avrebbero dovuto rifornire un intero Corpo d’Armata!) Ora questo industriale era in contatto con Mussolini e quando questi fondò il suo movimento col programma di san Sepolcro, prese subito la palla al balzo “tu ti rifai all’ amor patrio, alla guerra, all’arditismo...ebbene perché non adotti per i tuoi accoliti, il colore che è il simbolo stesso dell’arditismo?  Il NERO!!! Fanne il simbolo per “le tue schiere”, camicia, copricapo, fasce mollettiere….Io ho giusto quel che fa per te!” Qualche pignolo potrebbe osservare che in fin dei conti , Giovinezza non era l’inno ufficiale del Partito, bensiì “All’armi

siam fascisti “ o magari qualcuno della vecchia guardia preferiva l’inno della Disperata, una delle più famose squadracce dove si insisteva ossessivamente sul motto del fascismo, quel “me ne frego” anche questo però non originario fascista, ma di matrice D’annunziana che il poeta riprese da un dialogo tra due ufficiali il famoso Maggiore Freguglia e il Capitano Zaninelli,  entrambi medaglie d’oro e ovviamente ufficiali degli Arditi. Freguglia aveva chiamato Zaninelli e gli daveva detto che con la sua compagnia doveva attaccare un caposaldo, precisandogli che si trattava di una missione suicida, al che quegli aveva risposto : "Signor comandante io me ne frego, si fa ciò che si ha da fare per il re e per la patria". Il “Me ne frego” neppure lui originario fascista,  era disseminato a carattere cubitali nel cosidetto “Covo” ovvero la sede del Popolo d’Italia di via Paolo di Cannobbio  in Milano, e certo  non poteva mancare che anche su questo ci si tirasse su una canzone, anche se quel riferimento a Togliatti …”me ne frego di Togliatti e del sol dell’avvenire….” induce qualche dubbio sulla data di  composizione, non essendo negli anni venti il nome del co-fondatore del Partito Comunista ancora così famoso. D’altronde neppure l’ onnipresente “a noi” era di matrice fascista, bensì anch’esso D’Annunziano così

come quell’eja eja alala’ che sempre D’annunzio aveva forgiato assieme al maggiore Freguglia (ancora lui!) per sostituire l’americano hip hip Hurrà! Semmai c’è da dire che quell’espressione così cruda faceva parte di quel tentativo del Regime di modificare a suo immagine e somiglianza la lingua italiana, la sostituzione del “lei” con il “voi” l’abolizione delle parole di origine straniera come se una lingua fosse una divisa da far portare, il celeberrimo “vestito di orbace” con cui veniva canzonato il gerarca Achille Starace aggiungendovi la precisazione “di nulla capace” L’altra fissa delle canzoni del ventennio, lasciandosi però alle spalle gli anni venti e entrando nel decennio dei  trenta  era quella della Roma antica imperiale, le Legioni, i gagliardetti, le insegne, i gladi (su quest’ultimo, il gladio,  però ancora una ascendenza negli Arditi della prima guerra mondiale, perché un gladio tra fronde di alloro e quercia era stato assunto come segno distintivo di tutti i reparti  d’assalto, anche quelli che non portavano le mostre nere  come gli alpini o i bersaglieri che conservavano le loro ed erano difatti detti “fiamme verdi” e “fiamme cremisi” ) il “fuoco di Vesta “ irrompeva fuori dal tempio e ovviamente coniugandosi alla “giovinezza” declamava il “Duce Duce! e  non poteva mancare un Inno a Roma, il celeberrimo “Sole che sorgi  libero e giocondo sul colle nostro i tuoi cavalli doma” ; e poi certo con il cambiare della situazione politica, l’abbandono della Società delle Nazioni quella antica Roma, quell’antica gloria, non poteva che rivendicare...rivendicare cosa? ma l'Impero è ovvio!  e quindi ….“Roma rivendica l’impero, l’ora delle aquile suono’, squilli di tromba  salutano il volo dal Campidoglio al Quirinale” e quindi propositi, che insomma considerando poi certi fattarelli tipo la distruzione della marina a Taranto, la cacciata a mare da parte dei Greci, le centinaia di migliaia di prigionieri  fatta da gli inglesi che disponevano in Africa Settentrionale  di un contingente di soli 30.000 uomini e la stessa fine di quel tanto strombazzato Impero...bhe ! Come fare a non sorridere un po’ amaramente alla frasi successive della canzone  “terra ti vogliamo dominar, mare ti vogliamo navigar….mi sono chiesto spesso come gli fosse venuto in mente a Mussolini di rifarsi all’antica Roma nella scelta del nome del suo movimento, i fasci littori, le aquile, i gagliardetti.... ecco questo c’era davvero poco nella prima guerra mondiale, a parte quel gladio che veniva portato dai reparti d’assalto, sulla manica in alto della giubba, e il colore nero delle truppe d'assalto, certo è che quel proseguo della canzone “il littorio ritorna come segnale di forza e di civiltà" suona davvero farsesco e non parliamo poi quel “...dei Cesari il genio e il fato, rivivono nel Duce liberator”.  Con il 1934 l’Anschulss, l’uccisione di Dolfuss da parte dei nazisti e la mobilitazione al Brennero dell’Esercito, unica opposizione a Hitler in tutta Europa, cambiano radicalmente gli equilibri europei  e cambiano anche le canzoni, si fanno più volgari in risposta alle inique sanzioni con cui francia e Inghilterra intendono punire l’Italia del Duce (una canzone faceva appunto “si salva l’Italia , l’Italia del Duce", eh già perché dopo che Mussolini aveva avuto la prova della debolezza intrinseca della Società della Nazioni, aveva bruscamente cambiato rotta politica e paradossalmente si era avvicinato proprio a colui  che appena qualche mese prima gli  aveva mobilitato  contro l’esercito e costretto al dietro front. Dicevamo del volgare che si accentua... eh bhe! come la chiameresti voi una canzoncina  che rivolgendosi espressamente all’Inghilterra gli fa “Sanzionami questo!  E se ancora ci fosse qualche dubbio aggiunge “lo so che ti piace, ma non te lo do!”                                                                                          Una nuova guerra, ammettiamolo  abilmente propagandata da motivi di rivendicazione, le “inique sanzioni” appunto di Francia e Inghilterra; una retorica verbale piuttosto d’effetto dello stesso Mussolini in un plateale discorso dal famoso balcone di Piazza Venezia “ io fino a prova contraria mi rifiuto di credere che l’autentico popolo di Francia possa indire  sanzioni economiche contro l’Italia! I  6000 caduti di Bligny, morti in un eroico assalto che strappò un grido di ammirazione dello stesso comandante nemico,  trasalirebbero dalla terra che li ricopre ;  e fino a prova contraria mi rifiuto di credere che l’autentico popolo di Gran Bretagna, possa unirsi a sanzioni economiche contro l’Italia, per difendere un Paese africano, universalmente bollato come paese barbaro e indegno di stare tra i popoli civili”, quindi il  celeberrimo “oro alla patria” con la giornata della fede, in cui tutti, davano qualcosa d’oro,  dalle  spose, a cominciare dalla Regina Elena,  la loro fede d’oro in cambio di una in ferro,  e poi senatori, accademici, persino antifascisti , in un momento che fu davvero di sincera aggregazione  del popolo italiano sotto il fascismo ( Peccato che anche questo momento sia stato rovinato da scoperte successive : due damigiane piene di fedi d'oro furono difatti requisite  nei giorni della fine della guerra ai  gerarchi fascisti in fuga con Mussolini, che  stavano cercando di trafugare.) sono tutti elementi che producono nuovi spunti per canzoni . Si cominci con  la canzone “Adua sei liberata” che si dice composta in una sola notte, subito dopo la presa della città che nel 1896 era costata la vita a tanti nostri connazionali e al Paese la reputazione  “sei ritornata a noi, ritornano gli  eroi” dicevano le strofe successive “tra rulli di tamburo e bagliori” quindi tutta una serie di spunti su tema  “i legionari : “i morti che lasciammo a Passa Uarieu” “cara Virginia io vado in Abissinia!” “mamma ritorna ancor nella casetta sulla montagna che mi fu natale” che era l’unica canzone che nel film “Tutti a casa” il sottotenente Alberto Sordi riusciva a far cantare al suo plotone, canzoni piuttosto note, ma nessuna da reggere il paragone con la celeberrima “Faccetta nera” la cui storia vale la pena di essere raccontata: anzitutto non è propriamente della guerra d’Etiopia, ma di alcuni mesi prima, ovvero della primavera del ‘35: difatti mentre fervevano le preparazioni delle operazioni militari, dopo l’incidente/scusa di Ual-Ual,  il Ministero dell Cultura Popolare, il famoso Minculpop aveva pensato bene di  pubblicare notizie relative alla schiavitù ancora vigente in Etiopia, al fine di sensibilizzare la popolazione ad un qualcosa che poteva essere di forte impatto, enfatizzando un tema di missione civilizzatrice (bhe!!! il già citato Littorio come segnale di forza e di civiltà!)  della futura campagna militare e occupazione.E’ questa dunque l’ispirazione della canzone, un tema di giustizia e civilizzazione, decisamente anti razzista e anzi ammiccante in merito a rapporti  di fratellanza data che una ragazza etiope, “faccetta nera”  veniva etichettata come “romana” ….faccetta nera sarai romana e per bandiera ti daremo l’italiana” diceva una strofa, della canzoncina scritta da due personaggi del mondo delle rivista e dello spettacolo Renato Micheli e Mario Ruccione che avrebbero voluto presentarla al Festival della Canzone Romana, una manifestazione canora in quel 1935 molto in auge, che risaliva al 1891 e che aveva avuto illustri partecipanti: Leopoldo Fregoli, Ettore Petrolini, Gustavo Cacini (quest’ultimo un personaggio molto famoso e molto presente negli spettacoli-macchietta della Roma di allora che aveva ingenerato quel modo di dire “e chi sei Cacini?” ancora molto usato ai tempi in cui io ero ragazzino, cioè nel dopoguerra e negli anni cinquanta e sessanta). Al Festival non se ne fece nulla, forse perché la tematica era un po’ troppo ardita e avrebbe potuto urtare la ideologia nazista e del suo iper-razzista Fuhrer, Adolf Hitler  che proprio in quel periodo stava cominciando ad accreditarsi come alleato dell’Italia fascista, con forti promesse di aiuti economici per la futura campagna militare. Però poco dopo, la canzoncina con quella musica cosi accattivante e anche i versi freschi e spumeggianti avevano attratto l’attenzione nientemeno che di una stella di prima grandezza dello spettacolo italiano,la quasi mitica Anna Fougez, che l’aveva fatta cantare dalla sua compagnia:  Faccetta nera al teatro Quattro Fontane di Roma, intervenendo lei stessa  nelle vesti dell’Italia, che spezzava  le catene cui era avvinta la “piccola abissina” e la rivestiva con una camicia nera. Successo eclatante: Faccetta nera,  veniva  inserita in molte “riviste “  dell'epoca diventando popolarissima, specie sulla bocca delle truppe che nell’ottobre del ‘35 partivano entusiaste per la campagna d’Etiopia. Ulteriori perplessità, però dell’onnipresente Minculpop, che andava soppesando alcune frasi decisamente imbarazzanti del testo , quel “sarai romana” “ti porteremo a Roma” e per  bandiera ti daremo l’italiana ” ed anche alcuni passi che potevano essere travisati, ad esempio quel “ti daremo un altro Duce e un altro Re”, e che quindi cominciava a pretendere pesanti modifiche, un po’ più in linea con la volgarità ad esempio del  già citato “Sanzionami questo!” e di numerosi  ritornelli ripresi dagli antichi “bomba c’è”, ma permeati di ulteriore volgarità nei riguardi della popolazione abissina “il Negus chiese al Duce se poteva venì a Roma, il Duce gli rispose se c’hai la moglie bona!” “Il Negus chiese al duce se gli dava li leoni, il duce gli rispose nun me rompe li…..”Canzoni ancora canzoni, ma più retoriche, più melense, con l’affermarsi della alleanza con Hitler, e soprattutto con l’entrata in guerra, impensabili dei motivi un tantino più profondi  tipo il sotteso antirazzismo di Faccetta nera: “Camerata Richard”  esalta l’alleanza tedesca, ma lo fa in modo davvero sciropposo ed urtante “camerata Richard benvenuto, posa il sacco si scivola bada, il nemico è al di là della strada, parla piano che già ti ha veduto” Figuriamoci se il nemico, ovvero l’Inghilterra, perché dopo la fulminea sconfitta della Francia, era rimasta solo lei, poteva preoccuparsi della scalcagnata Italia: in pochi minuti ci aveva distrutto a Taranto una flotta, in Africa il Gen.Wavell con soli 30.000 uomini aveva fatto a pezzi l’intera Armata di Graziani che ne contava 600 mila, e persino i Greci ci avevano buttati a mare, rendendo davvero ridicolo quel plateale “spezzeremo le reni alla Grecia” di Mussolini. Niente! la canzone insisteva citando la mitraglia di quella piazzola e su melensissime raccomandazioni in caso di... “21 anni la stessa mia classe, questo vedi è il mio primo bambino...tieni a mente Salvetti Nicola, Vico Mezzocannone 50!”  Un po’ come la terrificante “Caro papa’, ti scrive la mia mano .. ” di cui conservo un gustoso aneddoto : un mio amico, non certo fascista, anzi, ma che in gioventù sui 15 anni, era stato missino, trovandosi a discutere appunto di canzoni del ventennio con una ragazza intelligentissima e impegnata politicamente, figlia di un famoso attore ebreo, morto recentemente ad oltre novant’anni, e che aveva avuto terribili traversie con le Leggi Razziali, tanto da confessare in una intervista che aveva pensato al suicidio, le aveva fatto “sai non erano tutte retoriche e false le canzoni fasciste, ce ne erano anche di sincere, ecco senti questa…” e lì in macchina si era messo a cantare appunto “caro papà ti scrive a mia mano, quasi mi trema lo comprendi tu….”Mario!” mi aveva raccontato dopo “mentre cantavo così di getto del tutto automaticamente, mi rendevo via via  conto dell’orrore di quella canzone, che mannaggia non avevo mai più cantato, avrei voluto fermarmi, ma quella sembrava come interessata  “le lacrime che bagnano il mio viso, son lacrime d’orgoglio credi a me, ti vedo che mi schiudi un bel sorriso, il tuo Balilla stringi al petto a te!” Fine! un silenzio di tomba, di profondo imbarazzo era calato in quell’abitacolo, fino al legittimo “ma è atroce!” della ragazza che si era dovuta sorbettare quell’orrore.  Lo vedi, perché, dico io, bisogna sempre sottoporre a revisione la storia? I fatti, i pensieri, le canzoni, anche le nostre emozioni, perché se non lo fai c’è il rischio appunto come questo mio amico di dimenticare e magari pensare che “bhe! Tutto sommato!....” La storia tutta la storia deve essere sempre ripensata e solo in quanto tale, eventualmente ri-assunta! Con il filtro della nostra ragione e di una conoscenza che deve essere sempre improntata alla critica, al relativo e alla “ri-messa in discussione!”     

 Mi pare superfluo elencare le ulteriori canzoni della parte finale e tristemente conclusiva de l’oramai superato ventennio: come la patetica “Vincere”  in cui anche il popolino ironizzava che il disco con la strofa successiva, ripresa dal famoso discorso del Duce della dichiarazione di guerra , “...e vinceremo” si era incantato e ripeteva ossessivamente quel “vincere, vincere, vincere” laddove prendevano invece corpo tutte le tappe della vergognosa sconfitta, quelle precedentemente citate e quella  sempre più incalzanti: la disfatta di El Alamein, la caduta del cosiddetto Impero, la ritirata di Russia, il “li fermeremo sul bagnasciuga”, il vergognoso otto settembre, con la fuga del re e di Badoglio e l’Esercito, il Paese tutto, allo sbando, l’occupazione tedesca e la cupa terrificante atmosfera della Repubblica Sociale, dove il cosidetto Duce era oramai una patetica marionetta nelle mani non solo di Hitler, ma anche dei suoi sgherri, neppure di primo piano che lo trattavano come un cameriere. Un epilogo ancora più squallido con la mortificazione di Piazza Loreto, dove Mussolini verrà appeso per i piedi al ludibrio della popolazione, dove l’unica nota di dignità, non era stata certo la sua, che era stato catturato, mentre cercava di fuggire in Svizzera, travestito da soldato tedesco, ma quella della sua amante Claretta Petacci che gli era voluta morire accanto. Ecco per tutto questo, non ci sono più canzoni, neppure quelle terrificanti de “le donne non ci vogliono più bene, perché portiamo la camicia nera” o di “siamo belve assetate di sangue, siamo i fascisti repubblicani, abbasso il Re, viva Graziani!” perché queste non sono più canzoni, sono lugubri lamenti.

 

 

 

LA CANZONE DI PROTESTA

 

La più famosa canzone di rivolta è senza dubbio l’Internazionale, che tradizionalmente  viene associata alla Unione Sovietica, di cui fu in effetti l’inno Nazionale dal 1917 al 1944  prima di essere sostituita dalla musica del Gen. Alexandrov, che è tutt’ora l’inno russo, ma in verità, anche se è in genere la canzone che i movimenti socialisti e comunisti di tutto il mondo, con quella adesione ideale e anche qualcosa in più al Paese del cosiddetto "Socialismo Reale", la sua origine  è tutta ed esclusivamente francese

 Lo scrittore, militante socialista Eugene Pottier ne scrisse le parole, con le quali intendeva celebrare la Comune di Parigi del 1871, cui lui stesso era stato un entusiasta sostenitore e partecipante, ma le  parole venivano però cantate sull’aria della Marsigliese e questo ancora 15 anni dopo quando lo stesso Pottier , che era un instancabile autore di versi rivoluzionari, poco prima di morire aveva  scritto parole di  una nuova canzone  sempre per celebrare la Comune, in particolare la cosidetta “semaine sanglante”di cui lui stesso era uno dei “survivants” sopravvissuti  : “Elle n’est pas morte” avendovi trovato la musica di un’aria di un compositore Parizot “”t’en fais pas Niculas “ e componendone quindi un refrain trascinante con il ritornello che faceva “Tout ça n'empêche pas, Nicolas, que la Commune n'est pas morte!” Probabilmente fu il maggior impatto di tale canzone con parole e musica  che non si rifaceva al troppo celebre e anche  al non più cosi’ rivoluzionario La Marsigliese, che indusse il compositore  Pierre De Geyter, due anni dopo, nel 1888, quando Pottier era morto da pochi mesi (nel novembre del 1887) a comporre per le parole  una musica originale che è quella che tutti conosciamo e che a ragione può definirsi come il più genuino e accreditato  inno del socialismo, al di la’ di una singola nazione, ma come indicato dal suo stesso nome, di tutto il mondo.In italia l’ Internazionale divenne famosissima  ma la sua traduzione del testo fu parecchio dissimile all’originale : essa era stata oggetto di un concorso indetto dal giornale socialista l’Asino che aveva visto vincitore un certo Bergeret che probabilmente era il giornalista Ettore Marroni che usava spesso uno pseudonimo simile e anche se spesso fu oggetto di revisione, quel testo del 1901  è rimasto il più diffuso e a tutt’oggi cantato. Non è che in quell’inizio del XX secolo, canzoni del genere  erano sulla bocca di tutti: vigevano le feroci repressioni degli Stati Nazionali, la maggior parte monarchici  e probabilmente quelle più provocatorie e famose erano di stampo anarchico, quale ad esempio  la stupenda “Addio Lugano Bella” considerata appunto  l’inno degli anarchici,che era stato scritto da Pietro Gori, un avvocato anarchico militante, amico di Sante Caserio, l’uccisore del Presidente Francese Sidi Carnot, di cui lo stesso Gori aveva scritto appunto “la ballata di Sante Caserio” e che la stampa accusava addirittura di esserne l’ispiratore. Certo è che Gori  si era rifugiato a Lugano per sfuggire  alla polizia italiana per poi essere imprigionato e infine espulso anche da quel Paese, da cui le famose parole della canzone, il “cacciati senza colpa, gli anarchici van via” Gori scrisse parecchie altre canzoni anarchiche e comunque di protesta ma nessuna raggiunse la notorietà e anche il livello musicale di Addio Lugano bella, d’altronde anche le altre canzoni con tali ispirazioni non erano granchè conosciute nell’Italia di inizio secolo, essendo come sopraccennato, oggetto di forte censura  e repressione: ci potevano essere delle sorte di ballate, tipo quella di Caserio o che inneggiavano a Bresci l’uccisore di Umberto I, che imprecavano contro  il Generale Bava Beccaris, quello delle famose  cannonate di Milano del ‘98, ma erano cantate quasi esclusivamente da militanti politici, anachici o socialisti di tendenza esteremistica, il grosso, diciamo così, della protesta era semmai  incanalato verso  canzoni della tradizione popolare delle varie regioni del Paese, canti di lavoro, di sacrificio, di emigrazione del tipo “Maremma amara... dove l’uccello che ci va perde la penna”,   “sciur padrun da li beli braghi bianchi” che era un canto delle mondine del Vercellese, “mamma mia dammi cento lire”… che in america voglio andar” insomma canzoni non di partito, non di militanti politici, ma che solo con una certa forzatura potevano essere ascritte a ribellione o tanto meno rivoluzione.Lo stesso doveva accadere durante la guerra di Libia, tra  tripudio di tricolori, sciantose che cantavano vestite da marinaretto “Tripoli bel suol d’amore” e i fasti al tramonto dei riflessi della Belle Epoque con le  sciantose del Cafè Chantant  gli  ufficiali in alta uniforme, le dame in landò:  tante canzoni, ma tutte molto lontane dal mondo dei poveri, dei diseredati e anche della protesta e della ribellione, che solo dopo la buriana della guerra troveranno una certa malinconica espressione “partono è vastimenti pe’ terre assai luntane” tra l’altro per la penna e la sensibilità di E.A.Mario l’autore de La canzone del Piave   ed altre canzoni di impronta patriottica. Le canzoni di rivolta del periodo della prima guerra mondiale  furono incanalate su un generico antimilitarismo non politico, di cui abbiamo già trattato a proposito dei canti della tradizione popolare sopratutto di tipo montanaro e dei cosidetti "bomba c'è" sorta di stornelli cadenzati, fortemente ironici di una critica graffiante e provocatoria, ma come detto, non politica, ma incentrati sui disagi e le sperequazioni della guerra,"il nostro battaglione è un pochettino scarso, abbiam lasciato il resto sul San Michel del Carso....bom bom son tre colpi di cannon oppure il più irriverente "da Cividale a Udine ci stanno gli imboscati, portan gambali lucidi e capelli impomatati ...din don dan e al fronte non ci van" tant'è che sullo stesso refrain furono imbastiti prima le strofette degli Arditi, le celeberrime Fiamme Nere "se non ci conoscete guardateci dall'alto noi siam le Fiamme Nere dei battaglion d'assalto ...bombe e man e carezze col pugnal"  e poi dalle prime formazioni di camicie nere dei fasci di combattimento "se non ci conoscete, guardateci sul petto, noi siamo gli squadristi dal santo gagliardetto" che conservavano lo stesso ritornello. La canzone politica militante tornò nel periodo della Resistenza, ma checchè ne dica l'attuale sinistra non fu certo Bella Ciao l'inno di tale periodo anche per il fatto che Bella Ciao fu una composizione a tavolino fatta da un gruppo di raffinati cultori della tradizione popolare Il Nuovo Canzoniere Italiano che la presento' per la prima volta  al festival di Spoleto dei Due Mondi del 1964, spacciandola per un canto originario della Resistenza. (Anche qui vedi un mio precedente articolo su questo stesso Blog giustappunto sulla vera origine di questo canto così come quello della prima guerra mondiale O Gorizia tu sei maledetta, da parte del medesimo Gruppo) La vera unica originaria canzone  della Resistenza fu  sul refrain della musica russa di Katyuscia con le parole composte da un medico partigiano amico intimo di Italo Calvino : Felice Cascione. Nel dopoguerra fu sopratutto il precedente e ispiratore Gruppo del Nuovo Canzoniere, nel quale tra l'altro transitarono parecchi esponenti  : I Cantacronache,  che compose con grande sensibilità e innegabile talento le migliori canzoni che sono andate ad ingrossare il patrimonio popolare della musica di protesta, di cui forse il testo e musica più celebri furono quelli de "per i morti di Reggio Emilia" del 1960 di Fausto Amodei che giustappunto era stato uno dei fondatori dei Cantacronache